 was born in Rio de Janeiro in 1985. She currently lives and works in Bordeaux, France where she continues to develop her artistic work. She occupies since 2020 an atelier at L'Annexe B, (Association of artists' ateliers in Bordeaux), 1, Rue Jean Artus.

She graduated in Industrial Design at the Catholic University of Rio de Janeiro, PUC-RJ, and worked for five years in a textile design office, where she created prints for major Brazilian brands. Duda started her artistic life since she was a child, she comes from a family of artists in Rio de Janeiro.

Her professional career begins in 2014 in Brazil, where she attended a four-week immersive drawing course. It was from there that she made her professional artistic commitment.

In her work, Duda explores gesture, composition, shapes and colors. Nature is a starting point for this look. Flowers, with their ambivalence between strength and fragility, allow for a wide range of possibilities in the artist's expression, as much as the quick but precise gesture and the vibrant colors that emerge from the mixture of forms.

In 2020, based on collage studies for her paintings, the artist began a new series using fabrics. Titled "Textile," this series features compositions similar to her paintings but with new materials: textures, colors, and pre-existing patterns that are transformed into works with volume and layers. It is at this point that Duda's work takes on a new form. Created from reclaimed fabrics, her pieces adopt wintry tones and more refined styles, thanks to velvets, silks, and arabesque patterns sourced in France, where the artist currently resides. The fabric work is a meeting point of cultures.

Significant solo and group exhibitions at the Bois Fleuri, Zone Trois gallery, and the Abbey of L'Escaladieu in France, Anita Schwartz gallery in Rio de Janeiro, Brazil, group exhibitions such as the Noyau project of the Fhon association, 'La Dame à la Licorne' at Glacières de la Banlieue, Bleu Satellite, an off event of the bad+ salon, Tinbox#5, and Da Pintura at Z42, in 2023, he received the Robert Coustet prize in Bordeaux.

moraes.duda@gmail.com

+33 (0)7 83 22 30 74

[Studio] — L'Annexe B
1 rue Jean Artus
33300 Bordeaux France

Terre de Vins, Desmirail sur un air de Samba, 2024

Couverture Junkpage, janvier 2024, jungle terrible jungle

Sud Ouest — “Floraison” fait escale sur l’esplanade François Mitterand

Junk Page — “Gallerie du petit atelier” Mai 2021 - Issue 18

Casa Vogue — Color Selection - April 2015

SudOuest, Libourne : les lycéens de Max-Linder ont mis l’art en boîte, par Linda Douifi, 2022

Educational projects with textiles and other projects signed by the artist

Joyeux et chaotique, jusqu’à l’envahissement, le débordement presque intrusif voire impudique des formes exulte. 

 crée des profondeurs et des éblouissements qui submergent notre rétine avec persistance, composés d’éclats et d’aplats parfois opaques et enfermés. On tente de se frayer un chemin dans cet univers tentaculaire formé par une succession de couches. Les échelles prolifèrent, du macro au micro, une ambigüité s’en dégage : entre force et fragilité, on assiste à une danse aussi radieuse qu'inquiétante.

Comme si la peinture n’était pas encore sèche, la couleur semble fléchir, s’affaisser, tomber. À partir de gestes esquissés, de contours rehaussés, les couleurs s’étalent. Les fleurs sont contenues dans des vases. Ils ont tendance à disparaître, tant Duda Moraes développe un travail expressionniste qui dépasse la représentation littérale.
« Je ne peins pas les fleurs, ce sont les fleurs qui me font peindre » dit-elle. La forêt tropicale n’est pourtant pas aussi colorée que ses grandes peintures nous le font croire : le climat, l’humidité et la luminosité flamboyante du Brésil diffusent des variations de couleurs parfois extrêmes. Ici, s’exprime la quintessence de la recherche de Duda Moraes. Elle s’inspire toujours d’images glanées, puis s’en détache rapidement, par l’action du geste et de la couleur entremêlés. Auparavant, ces images relevaient d’une nostalgie du pays lointain : la saudade la réchauffait.
Depuis son arrivée en France en 2017, le processus créatif de Duda Moraes
traverse la maturité. Sa peinture est sans cesse habitée par le souvenir carioca, son atmosphère chaude et moite. Elle est désormais en quête d’affirmation et se présente d’une nouvelle façon à sa ville natale, Rio de Janeiro. Son identité s’est imprégnée d’une autre culture : le climat continental infuse la pratique artistique et décale peu à peu le propos. Aujourd’hui, on sillonne les méandres d’une peinture qui dévoile l’empreinte des couleurs utilisées successivement. On discerne alors une mémoire de la peinture : Duda Moraes accumule les strates de formes, révèle les évolutions tectoniques de sa peinture. Comme lors du passage d’un seuil, le corps
entre dans la toile. Ce portail est constitué d’une toile de fond abstraite recouverte de motifs figuratifs. La sensation des couches et l’apparition de la lumière viennent des profondeurs. Parfois, les tranches fluorescentes se reflètent sur les murs et créent des auréoles autour des iris, des narcisses, des pivoines, des arums ou des tulipes perroquet. Peu à peu, l’artiste se déplace. Elle tente de peindre sur soie ou aborde la couleur par le prisme de nouvelles techniques comme la céramique. Les tissus sont découpés, les fleurs apparaissent sous la forme de collages textiles, cette fois-ci à
partir de motifs européens. À travers ces expérimentations, Duda Moraes
décortique, démembre et malaxe le processus pictural.

Au cœur de l’exposition, un long polyptyque fonctionne comme . Panorama immersif d’un geste continu, la peinture fragmentée nous donne la
sensation d’être dans la forêt, tout contre les plantes. L’artiste joue avec le hasard d’une réunion de six peintures créées indépendamment les unes des autres, pour produire finalement cette jungle tropicale, et dépasser le format classique du tableau. Elle tend la toile sur le châssis, soupèse la forme et visualise, avant de peindre, l’espace qui entoure ce cadre rigide. Depuis qu’elle s’est emplie de la lumière de l’hémisphère nord, elle s’éloigne de ce qui la nourrit depuis toujours et s’intéresse aux végétations européennes, plus timides et silencieuses. Elle développe alors un intérêt pour l’empiècement, le patchwork, l’expérience textile abordée par le prisme de la picturalité. La couture lui permet de fixer la composition en canalisant le geste. Son regard tropical est influencé par un matériau qu’elle voit
comme typiquement occidental, composé de morceaux récoltés et chutes de tissus épais aux couleurs sombres. La vitalité de l’artiste se fonde sur un aller-retour permanent, une traversée mentale de l’océan Atlantique, et se décline jusqu’à la découverte d’autres matières, pour observer les réactions de la fibre au flux incessant des tiges, pétales et bourgeons. Face aux œuvres textiles, trois toiles plus petites représentent les fleurs européennes, qui semblent plus décoratives. On passe à travers cette métamorphose. Enfin, on contemple une ardeur désespérée, mouvementée comme la vie, cahotée par les sentiments contradictoires. Duda Moraes répond à ce que la peinture lui demande, avec des gestes rapides, une profusion incessante, une pratique très intense de l’atelier. Elle revient toujours vers la peinture, désosse le motif floral, pour créer de nouveaux espaces qui nous
englobent. L’exposition réunit un ensemble de formes interconnectées, les tiges naviguent dorénavant d’une échelle à l’autre, d’une surface accrochée à une suspension, d’une image fantasmée à une réalité.

Le Fleurs ont toujours raison, Élise Girardot

Brimming with energy, with blooms without reason or order, Duda Moraes's canvases seem at first glance to overflow towards us: a satisfaction of exoticism, if not joyful, at least immediately vivid and colorful, restless yet exultant. However, as suggested by the title of this 2023 series, Duda Moraes also invites us to "Look at the flowers." This means we are invited to pause, to step out of preconceived images and tropical clichés, out of the register and calendars of art and emotion. And what we then see is quite different: it's the gestures, the movements, and the depths, the substances, the impulses, the sketches, the impatiences, the indecisions, and the firmnesses: a whole chthonic activity and theatricality on the canvas that supports the floral. And the thought. Work and germination, a visceral abstraction, something beneath the color.

Duda's flowers combine these "imaginary forces" of which Gaston Bachelard spoke in his preface to "Water and Dreams: An Essay on the Imagination of Matter" (José Corti, 1942). Some find their rise before the novelty; they play with the picturesque, with the variety, with the unexpected event. The imagination they animate always has a spring to describe. In nature, far from us, already alive, they produce flowers. Other imaginary forces dig into the depths of being; they want to find in being, at the same time, the primitive and the eternal. They dominate the season and the history. In nature, within us and outside of us, they produce seeds; seeds where the form is embedded in a substance, where the form is internal.

Between baroque and aridity, explosive musicality and the slow work of cataclysm, the flourishing here at work is of a radical contemporaneity.

J.C. SchliwinskiAuteur
/Documentariste Février 2024

Duda Moraes, les forces à l’œuvre, JC Schliwinski

Tout au long de son histoire, les chemins de la peinture ne furent aisés.En particulier au début du XXème siècle, elle fut brisée en d'innombrables morceaux par les ambitions d’ avant-gardistes : fauvistes, cubistes, expressionnistes, futuristes, tenants de l’art abstrait et dadaïstes se disputèrent bien souvent leurs propres vérités, ce qui anema l'artiste et révolutionnaire Alexander Rodchenko à décréter la peinture comme morte, la considérant comme "improductive" au sein de la nouvelle réalité communiste de l'époque.
Malgré les décombres et décrets de mort, la croyance lumineuse et optimiste en la peinture ne fut jamais réellement interrompue. Il suffit de rappeler qu'en 1912, une brève mais remarquable mélodie picturale fut capable de surmonter les adversités et les luttes critiques de la douloureuse Première Guerre mondiale : Robert et Sonia Delaunay, Frank Kupka, Fernand Léger, Francis Picabia, et même un jeune Marcel Duchamp amenèrent le poète Guillaume Apollinaire, en pleine modernité industrielle, à rappeler le mythe grec d'Orphée pour donner nom à un mouvement - l'Orphisme - associant la dimension intangible et lyrique de la musique, aux rythmes formels et surtout chromatiques de l'encre sur la toile. Tels des pèlerins en direction d’un terrain critique, inhabité et difficile à résumer en termes figuratifs, les orphistes réalisèrent des œuvres de grande ampleur, non en termes d'échelles, mais en l'invention d'un nouveau langage artistique : l'abstraction.
En arpentant le terrain de ce vocabulaire inventé il y a environ un siècle, la carioca Duda Moraes peint "La Huaca", "Sacsayhuaman", "Atahualpa" et d'autres toiles d'une grande vigueur et éloquence, réalisées peu après son voyage au Pérou et qui intègrent son premier solo-show à Belo Horizonte. Ces œuvres portent, dans leurs titres et leurs tailles, les marques de son voyage non seulement physiques mais aussi sensibles aux terres voisines de notre pays. Ces vestiges chromatiques chargés de contrastes et de sensibilité explicite, renvoient justement à certaines ambitions du bref mais marquant mouvement orphiste et le déplacent temporellement en le reliant de façon singulière à la culture péruvienne, qui à son tour, assimile les traditions indigènes et espagnoles. Dans le mouvement opéré par Duda, l'avant-garde européenne dialogue et contraste simultanément avec les mythes ancestraux incas et le baroque particulier des Andes au beau milieu du Minas Gerais , réaffirmant la capacité de la peinture à associer poétiquement et conceptuellement des moments et des lieux souvent distancés par les historiographies figées.
Dans "Coricancha", une toile de grand format qui mérite le détour, un disque jaune, dense et lumineux peint à l'huile, se situe au sommet du tableau et flotte sur des vélatures pour faire symboliquement référence au "temple d'or" inca situé à Cusco. Dans cette œuvre, des formes organiques, multicolores, qui parfois insinuent un certain caractère géométrique, tantôt se juxtaposent, tantôt s'entremêlent, concevant une sorte de paysage ou de construction inconsciente, suggérant les sensations du contact de l'artiste avec la puissance matérielle et immatérielle de l'édifice sacré en question. Pour Duda, peut-être est-il impossible de représenter exactement l'impact de son expérience lorsqu'elle pénétra dans cette enceinte singulière. Ainsi, le caractère fugace et louable de l'ambiguë abstraction de ce tableau sert magistralement à rappeler la perplexité que beaucoup d'entre nous ressentent en s'immergeant et en s'abandonnant corps et âme à certains espaces dédiés au sacré.
À une époque des arts sensationnalistes et a priori relationnels, les œuvres de Duda cherchent à sillonner des lieux de façon romantique, échappant à la massification et à l'anxiété consumériste ou même, à une idée superficielle de la brésilianité. L'intérêt de l'artiste ne réside pas seulement dans la physicalité de la toile et des tubes de peintures, mais aussi dans une traversée, un voyage individuel, émotionnel et immatériel. Une promenade à travers les montagnes et les terres saintes, les maisons de ceux qui ont souffert et souffrent encore de l'invasion colonialiste. Les œuvres de l'artiste révèlent un voyage qui ne prendra jamais fin dans un lieu concret et spécifique, car le destin de la véritable terre sacrée de la peinture évoquée par Duda est l'infini.
Alvaro Seixas Rio de Janeiro, mars 2017.

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